| [美 術 展] |
モダンアートの街・新宿 |
| [美 術 館] |
SOMPO美術館 |
| [会 期] |
2026年1月10日(土)〜2026年2月15日(日) |
| [訪 問 月] |
2026年1月 |
| [この一枚] |
松本竣介「立てる像」
1942年 | 神奈川県立近代美術館 |
松本竣介(1912-1948}は、36歳と若くして結核で亡くなった日本の洋画家です。
中学生になったばかりの時に、脳脊髄膜炎に掛かり聴力を失うことになったため、戦時においては徴兵免除になるような若き日を送ります。頭は良かったからか自分の主義主張をはっきりさせたい性格だったようで、絵画に関心が向いたことで中学を中途退学することから始まり、政治思想や宗教を通じての仕事を請け負うことがあっても納得いかねば職を辞すスタンスを維持すれば、戦時下において画家も協力すべきとの論評に反発し「生きてゐる画家」を発表しつつ戦争画以外の作品を制作し続け、主義に合わないグループに加わらない姿勢を貫いたり、絵が売れず貧しくとも時に片手間の仕事をしたとしても絵を描くことは諦めなかったりと、頑固一徹な側面が散見されます。かといって、偏屈な人間ということではなかったようで、取り巻きやサポートしてくれる人もそれなりにいた模様。下落合という芸術家が多く居を構えたエリアで生活をしたことで、同じような境遇の芸術家たちが相互扶助する雰囲気があったのかもしれません。
作風は都市風景をテーマにしたものが多く、くすんだ青色や茶色を使って陰鬱な雰囲気の作品が中心。シャガールのような水気の多い絵具をガチャガチャと塗りたくった筆致が主流で、しかし、カラフルではないため華々しいわけではなく静謐な空気が漂う雰囲気。作品を流し見すると、そのタッチからルオーや青の時代のピカソ、カリエールあたりを彷彿とさせ、内省的で神経質な印象を得るのですが、松本自身はモディリアニ、ルオー、ジョージ・グロス、野田英夫といったあたりに傾倒していたようです。
画派の傾向から見ると、基本は表現主義的な作品でモチーフの存在が希薄になることはないのですが、抽象画風に描かれてモチーフがはっきりしない作品も多くあります。表現主義的な作品は上記のように内面性が滲み出た作風になるのですが、抽象作品については松本の作画への昂ぶりが一線を越えた時、表現主義として設定した感性の余分な部分が削ぎ落されて、かつ残った部分が尖った状態でデフォルメされた結果の状態なのだと見ています。個人的には抽象画作品に目を向けることはないのですが、それでも冷静になって評価してみると、表現主義の延長上で構成された作品との解釈に至ったということです。
 そんな松本作品において、目を引いたのが「立てる像」。162cmx130cmの大きめの作品。
第二次世界大戦において日本が優勢から劣勢に転じた頃に制作された自画像(一般市民はまだ日本優勢を信じていたと思いますが)。場所は高田馬場付近とのこと。
道の真ん中にすっくと立ち、力強くはありながらどこか虚ろに何かを見つめています。上述したように主義主張をしっかりと持っていた反面、戦時協力に否定的だったり(一時は反政府分子とされ尾行もついた模様)、ブレイクできない自分の行く末を案じたりと、世の中の不透明感に不安な要素も絶えなかったはず。自分を奮い立たせる目的で本作を制作したのでしょうか？
因みに、戦時協力に否定的という観点からは「抵抗の画家」という異名も得るようになるのですが、決して反戦画家ということではなく、あくまでも作品制作は戦争と関係なく行いたい、国威高揚のために自分のスタイルを曲げて戦争絵画を描くことを良しとしないという考えだったようです。
話を戻すと、本作は松本の代表作とされるものの、実は他にあまり似たような作品は描いていません。全身像が珍しいし、背景を白抜きにしてモチーフを際立たせる描き方も皆無、表情が見て取りやすいほど写実化されている例もあまりありません。そのようなことからして、典型的な松本作品ではなく、逆に特異な作品と言えるほど。
それでも松本竣介と言えば「立てる像」！と言えるほど、画面から伝わってくる意志の強さに圧倒されるのです。
「この一枚」に挙げたのは、松本作品において異色といえども、目を引く作品だったからです。
この作品に出合ったのは本展が最初ではありませんが、最初に見たとき以来、どこで見かけても「おっ…」と思わせ、本物でなくパンフレットに採用されている時点で「あぁ、この作品が展示されるのか！と思うほど。そして、何よりも松本竣介を忘れえぬ画家にしたのもこの作品であれば、松本竣介の展覧会があった際に足を運ぶ気分にさせるのもこの作品。まるで一発屋のヒット曲やギャグにいつまでも固執するがごとく。それほどインパクトを得た作品だったからです。
これまでも取り上げることを考えたことがあるくらいの作品でしたが、本展でまたもや対峙できたことでやっとその時がめぐってきたのでした。
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| [美術展評] |
本展は、SOMPO美術館の開館50周年を記念して、その所在地である新宿をテーマにした展覧会でした。
まずSOMPO美術館の沿革を示すと、1976年に安田火災海上保険が「東郷青児美術館」の名称で開館、その後損害保険会社の統廃合で都度名称を変えながら(「安田火災東郷青児美術館」→「損保ジャパン東郷青児美術館」→「東郷青児記念
損保ジャパン日本興亜美術館」)、2020年から「SOMPO美術館」に名称になって現在に至っています。この間、美術館の場所は西新宿の敷地内にて変わらないものの、2020年にそれまでのビル42階から現在の専用建物に移転しています。
そんな歴史を有する美術館が、新宿という場所にフォーカスして、美術館の存在と同時期に描かれた美術に触れるというテーマ(実態はさらに遡って1900年以降って感じでしたが)。
フランスの近代美術史を辿ると、蜂の巣(パリ／モンパルナス)、洗濯船(パリ／モンマルトル)、ポン＝タヴェン派(ブルターニュ／ ポン＝タヴェン村)、バルビゾン派(イル＝ド＝フランス／バルビゾン村)など画家が集ったエリアが多数存在感を示し、折に触れてそれぞれのテーマで展覧会が開かれるのですが、日本ではなかなかその切り口での美術展が企画されてこなかったような気がします。開かれたとしても、そのエリアだけで知られるようなマイナーな画家が多くて、美術史に名を遺す価値がアリやナシやを疑うレベルであったように記憶します(地方では有名画家を郷土画家としてフォーカスする企画は珍しくありませんが)。
では、新宿は？ということです。文学の世界なら新宿ゴールデン街なんて、文筆家が芸術論を戦わせるような逸話を聞くことがありますが、美術の世界ではどのようなグループが形成されたのでしょう？
中村彝
「骸骨を持てる自画像」 |
果たして、いくつかのコミュニティが存在したようです。主に3つのキーワードが確認できました。
まずは、中村屋サロン。
中村屋の創業者である相馬愛蔵・黒光夫妻は、「己の生業を通じて文化・国家（社会）に貢献したい」という理念のもと、店に出入りする芸術家に対して理解のある接し方をし、芸術談義の場としてサロン化させることを許容します。
ちょいと脱線すると、中村屋と言えば、クリームパンや缶入り水ようかんの発祥地であり、純印度式カリー、ボルシチ、中華まん、月餅といった外国由来の料理の日本発祥地でありと、飲食史にもよく登場する食品会社。その他インド人独立運動家ラス・ビハリ・ボースを国外退去命令から匿ったり(流れで中村屋の娘と結婚)、ウクライナ人詩人ヴァスィリー・エロシェンコを支援したりとマイナーな政治史にも絡んでくるなど、むしろ美術史ではないところで有名な存在です(これら外国人の交流でカリーやボルシチが生まれました)。
こうした社交性や人道家気質が芸術家たちにも及んだのでしょう。彫刻家では荻原守衛や高村光太郎、画家では中村彝・中村不折・斎藤与里、演劇では松井須磨子、思想家では内村鑑三なんて名前が所縁のある主な著名人として挙がりますが(知らない人が多いかもしれませんが、Toshの中では名が知れている方々です)、彼ら以外にも多くの墨客が入り浸り、相互に助け合ったり刺激しあったりの関係を紡いでいました。
その中でも中村彝は特に中村屋と懇意になり、サロンの中心人物にもなれば、中村屋のアトリエで3年間に渡り生活もし、中村屋の一人娘と恋仲にもなります。もっとも、娘の裸体を描いたり病弱であったりを理由に結婚を反対されたことで中村屋を退去して下落合に転居。娘は上記の通りボースとの結婚に至ったという顛末になるのですけどね。
二つ目は下落合。新宿所縁の画家として紹介される画家たちがこぞって住んでいたのがこの地。
展覧会を巡っている時にはあまり気にしなかったのですが、目白文化村・落合文士村というコミュニティがあって、落合周辺には様々な芸術家が集いました。それぞれの時代の画家の居住数を足しただけでも100名以上になるという一大聖地。フランスのバルビゾン派に負けないレベルです。これまで美術の世界での下落合在住の画家がちらほらいたことは知っていたものの、このような一派の存在は認識していませんでした。
その最初は、大規模な宅地分譲計画で目白文化村が造成される傍ら、前衛芸術家が住居を構え、それに触発されアナーキストや共産主義者が集い、その後プロレタリア文学の牙城になっていくという流れで、芸術家は落合に集うべし！の流れができた模様。関東大震災の頃から第二次世界大戦直前までが賑わった時期でした。
高名な画家である佐伯祐三や前述した中村彝はコミュニティができる前から住んでいたようですが、彼らも含めて、長谷川潔 (版画家)、安井曾太郎といった有名どころの名前も確認できます。
彼らは画家間の交流に留まらず、文学の装丁を手がけるなどジャンルを超えて交流があったようです。
三つ目は新宿からちょっと離れて存在した池袋モンパルナス。
1930年〜1940年代にかけて、池袋の西側一帯にアトリエ付き住居が建設されたことで芸術家たちが集うようになります。名称はパリの芸術家集団「エコール・ド・パリ」の拠点だったモンパルナスに因んで。画家であり文筆家だった岡本一平が「銀座をモンマルトルとすれば、新宿はモンパルナス」と例え、詩人であり画家であった小熊秀雄が「池袋モンパルナス」と名付けたのが最初。もっともこの名称が馴染みになったのは近年とのこと。それまでは「長崎アトリエ村」と呼ばれていたようです。…と、これまた前史があって、次々と作られていったすずめが丘アトリエ村(要町1丁目)、さくらが丘パルテノン(長崎2丁目)、つつじが丘アトリエ村(千早2丁目)、培風寮(要町1丁目)の総称ということになっています。
こちらも100軒ほどが存在したようで一大コミュニティに。でもアトリエ付き住宅ができた分だけこちらの方が本格的と言えるかもしれません。
挙がる有名画家も多く、熊谷守一、靉光、麻生三郎、北川民次、福沢一郎、丸木位里、丸木俊、鶴田吾郎…。そして、「この一枚」に取り上げた松本竣介もここに属します。
もっとも、松本竣介が住んでいたのは下落合だったり、中村彝は中村屋サロンにも落合文士村にも名前が出てくる人。各グループ間の交流があったりなかったりも様々なゆえ、あまり地域別の画家集団の切り口が取り上げられなかったのかもしれません。
それでも芸術の都パリ同様、東京にもこうしたエリアに特化した芸術グループが存在したことに気が付かされたのは興味深いことでした。
因みに、この展覧会を契機に20世紀の新宿エリア以外にも目を向けてみると…
上野エリアはアカデミズムとボヘミアンが特徴。
東京美術学校(現・東京藝術大学)を中心に、洋画・日本画のアカデミズムが根付く場所であり、同時に安い家賃を求めて若手芸術家が集まるボヘミアン的な雰囲気を醸していました。
1950年前後に存命していた画家をリストしてみると、横山大観、前田青邨、小林古径、安田靫彦といった日本画の重鎮が住んでおり、逆に洋画家は美術界の確執もあり引っ越してしまう状況にありました。
現代では伝統と創造のエリアとして、町工場や倉庫をスタジオに転換しての活動、伝統工芸や現代アートを融合させた活動、アートで地域課題を解決する活動（コミュニティ・アート）などが活発になっています。
銀座エリアはモダニズムと商業ギャラリーが特徴。
戦後復興にて芸術文化の拠点が日本橋から銀座に移ることで発展。ギャラリーの黎明期であり、個展やグループ展が開催される前衛美術のサロンでした。
現代でも商業ギャリーと言えば銀座！のイメージが継続しており、ここで芸術家が生活するというわけでない代わりに、作品発表の場としてあらゆるジャンルの芸術作品が集うことになっています。
原宿・青山・六本木エリアはファッションと現代アートが特徴。
これで街中を歩くのか？と思わせるようなハイファッションや若者カルチャーと現代美術が融合したおしゃれなアートスポットとして発展しました。銀座同様商業ギャラリーも多く、現代アートの最前線になりました。
岡本太郎、猪熊弦一郎、瑛九、中原淳一など抽象芸術というかデザイン系芸術というかの傾向の画家が多く住みました。
現代でもその傾向は継続かつレベルアップしている感があり、国立新美術館、森美術館、サントリー美術館がある六本木付近はグローバル・現代アートエリアとして、地域一体となったアートイベントを開催したり、都市型の国際的なアートシーンを形成しています 。
渋谷エリアは複合カルチャーやアール・ブリュットが特徴。
「パルコ」を中心に、ファッション、演劇、デザインが混ざり合う若者向けの芸術コミュニティの拠点でした。アール・ブリュット(美術教育を受けていない人が既存の美術の枠にとらわれず、内なる衝動のままに表現した芸術)振興の発信地にもなっていました。
岸田劉生、梅原龍三郎、安井曾太郎、東郷青児など洋画で名を馳せた画家が多く居住しましたが、上記の傾向に合致しないため、画家の居住地と活動場所が必ずしも一致しなかった特性があったと言えるかもしれません。
現代でもブームの発信拠点であり、若手を中心にした現代アート、ポップカルチャー、ファッションが融合した表現グループが活動しています。
全エリア調べたわけではないので、これ以外にも押さえておくべきコミュニティがあろうかとは思いますが、これだけの整理しただけでも、今今はこのような特徴を知りながら芸術探訪をするのも一興だなと思いもすれば、こうした芸術コミュニティが50年100年と経った時に日本の美術史にどのように残っていくのかが楽しみという思いもあります(生きていませんけど)。
地域にフォーカスした芸術鑑賞、美術に限らず他の芸術ジャンルの人たちの交流や助け合い、近くに住んでいたからこそ生まれた人間関係など、点が線や面になっていく側面も面白く、興味深い展覧会コンセプトだったと思います。
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